sábado, 11 de diciembre de 2021

Con El Cascanueces vuelve al cine la magia del ballet

Cuerpo de baile en un momento de la actuación (foto: Tristram Kenton)

El pasado 9 de diciembre se retransmitía en más de cien salas de cine y teatros de España la emisión en directo, desde la Royal Opera House, del clásico del ballet El Cascanueces. La espectacular producción del coreógrafo británico Peter Wright que recibió una merecida y unánime ovación del público, fue la encargada de reanudar los directos de la Royal después de la pandemia.

Lola Ramírez

Hace algunos, no demasiados años, era impensable el que todos los ciudadanos del mundo tuvieran la oportunidad de ver a los mejores ballets del planeta al mismo tiempo y en una emisión en directo. El cine tiene ese poder y esa magia. Gracias a ello, el arte de la danza ha abandonado su característico y habitual papel de espectáculo de minorías para abrirse a un amplio abanico de gente.  El Cascanueces que vimos el pasado 9 de diciembre, producido por el coreógrafo británico Peter Wreigt e interpretado por los bailarines del Royal Ballet, fue una explosión de danza y belleza que durante más de dos horas nos sumergió en un mundo de magia e ilusión, gracias, entre otros,  al talento de Christopher Saunders que se metió en la piel de un inolvidable Drosselmeyer, un mago en el arte de sorprendernos. Magnífica también la puesta en escena de Christopher Carr quien con los cambios escenográficos nos trasladó a mundos de ensueño.

Precioso paso a dos de Isabella Gasparini y Luca Acri (Foto: Emma Kauldner)

En la historia que nos relatan con su danza los bailarines del Royal Ballet, Drosselmeyer es un mago que trabaja en el palacio real y que ha inventado una trampa que ha acabado con la mitad de los ratones. Como venganza, el malvado Rey de los Ratones (Lukas B. Braendsrod) transforma a Hans-Peter (Luca Acri), sobrino de Drosselmeyer, en un horrible Cascanueces. El maleficio solo se podrá deshacer matando al Rey de los Ratones y consiguiendo que una bella joven se enamore de Hans-Peter a pesar de su horrible apariencia. 

Isabella Gasparini se pone en la piel de una preciosa Clara, y acaba con el maleficio, enamora a Hans-Peter y de paso al público que queda fascinado con el virtuosismo y encanto de la bailarina brasileña. La abundancia de papeles solistas y los números de conjunto ponen de relieve la técnica de primerísima clase del Royal Ballet en este clásico navideño.  El directo del ballet en tres actos, de 2 horas y 40 minutos de duración, reúne a las primeras figuras del Royal Ballet: la bailarina principal de la compañía, la japonesa Akane Takada, como Hada de Azúcar; el cubano canadiense, Cesar Corrales, como su príncipe y los anteriormente mencionados Christopher Saunders, Luca Acri e Isabella Gasparini como Drosselmeyer, Hans-Peter y Clara, respectivamente. 

Una de las bondades del ver ballet en una sala de cine es que, además del ballet en sí, los espectadores pueden disfrutar también de lo que sucede entre bambalinas y asistir a ensayos y entrevistas con los principales intérpretes. Darcey Bussel, ex bailarina del Royal, muy conocida por haber sido jueza en el programa de baile Strictly Come Dancing de la BBC, es la encargada de descubrirnos los secretos de cada producción.




Darcey Bussel, Akane Takada y Luca Acri (Foto: L.R.)

Con El Cascanueces se acaban de reanudar los directos de la Royal Opera House, tras la pandemia. “Estamos emocionados de volver a hacer producciones –afirmó Kevin O’Hare, director del Royal Ballet- llevando estos maravillosos clásicos al escenario y a la gran pantalla. La espera ha merecido la pena”.
La temporada de directos en cines del Royal Ballet también incluirá la proyección de Romeo y Julieta, de Kenneth MacMillan, programada para el lunes 14 de febrero, y el único y majestuoso “Lago de los cisnes”, que se transmitirá el jueves, 19 de mayo.
Estas emisiones se distribuyen en España a través de 
Versión Digital.

Trailer


jueves, 14 de octubre de 2021

Ballet del Sud en Terrasa (Barcelona)


Matías Lacunianni y Nuria Salado (Foto: Josep Guindo)
 

Los días 9 y 10 de octubre  la compañía italiana Balletto del Sud, con sede en la ciudad de LECCE  presentó en el Centre Cultural de Terrase los ballets El pájaro de fuego y La consagración de la primavera. Destacar que la bailarina española Nuria Salado Fusté interpretó el roll principal en El pájaro de fuego junto a Matias Laconianni en el papel del príncipe Iván Tsarevitz. 


Cristina Ribé


El Ballet del Sud fue fundado en 1995 por Fredy Franzutti, uno de los coreógrafos más reconocidos y apreciados en Italia y el extranjero, invitado del Teatro Bolshoi de Moscú, de la Ópera de Roma, de la Ópera de Sofía, de la Ópera de Montecarlo, Magdeburg, Tirana y Bilbao. Reconocida por el Ministerio del Patrimonio y Actividades Culturales desde 1999, la compañía es una de las más populares de Italia. Está formada por un equipo de 20 solistas de diferentes nacionalidades, de alto nivel técnico y capaces de alternarse en los roles principales.

Cuenta con un repertorio de 42 producciones que incluyen grandes títulos de la tradición clásica y piezas modernas coreografiadas por Fredy Franzutti, a menudo embellecidas con la participación de estrellas invitadas.

El sugestivo programa constaba de dos piezas clave del compositor ruso Igor Stravinsky, ambas muy raramente presentadas al completo y en la misma representación. 

 

El Pájaro de Fuego


Nuria Salado (Foto:Josep Guindo)


Fue el primer encargo que el director de los Ballets Russes, Sergei Diàguilev, hizo al compositor y que le llevaría a la fama y a la gloria de una manera fulgurante: la música para un ballet cuyo tema sería un cuento popular basado en la leyenda folklórica rusa de El Pájaro de fuego.

El estreno, en la Ópera de París en 1910, resultó un gran éxito que marcó la presentación de Stravinski en sociedad.

El Pájaro de Fuego explica la aventura del príncipe Iván Tsarevitz (Matías Iaconianni) que, gracias a la ayuda de un pájaro mágico con plumas de fuego (Nuria Salado Fusté), salva a la bella Zarievna (Alice Leoncini), una princesa prisionera del terrible mago Kasxei (Carlos Montalván).

La coreografía de Franzutti es variada, viva, cautivadora y repleta de ritmo dramático e intenso.  Las evoluciones de Nuria Salado, limpias, sutiles, muy técnicas, aúnan mímica y expresión reflejando exactamente su rol de pájaro mágico. Extraordinario Matías Iaconianni, bailarín formado en el Ballet School  Neumeier Hamburg, apuesto príncipe de líneas elegantes y técnica depurada, muestra una simbiosis perfecta con Nuria Salado y sus Pas de Deux resultan magníficos.


Matias Iaconianni yAlice Leoncini (Foto: J.G.)

 

La consagración de la primavera

Obra musical para orquesta compuesta en 1913 por Igor Stravinsky. El autor la  compuso como parte integrante de una serie de ballets creados para la compañía de Sergei Diàguilev, Les Ballets Russes, presentados en París en la década de 1910 entre los que también se encuentra  El Pájaro de Fuego.

A diferencia de los Ballets anteriores, obras más “rusas” y menos “rupturistas”, Stravinsky se atrevió, en esta obra, a innovar. Su estreno, como cabía esperar, fue un estrepitoso fracaso. El público comenzó a abuchear la obra cuando aún no había terminado. La crítica, por su parte, estuvo dividida entre los maravillados modernistas franceses, y los reaccionarios autores románticos y postrománticos, que la consideraron una sucesión estruendosa e incomprensible de sonidos y ruidos.

No existe sincronía entre las distintas voces de los instrumentos, lo que produce en el oyente esa sensación de imprevisión, impulso, brutalidad y desorden.

La obra describe un salvaje ritual pagano que pedía el regreso de la primavera. El ritual acababa con el sacrificio de una joven virgen (Alice Leoncini) a la cual la tribu obligaba a bailar hasta morir exhausta. Un miembro de la comunidad a cambio de la primavera. Una vida a cambio de más vida.

La revisión hecha por Franzutti transporta la historia geográficamente al sur de Italia y hace referencias a la cultura popular de la península de Salento. Para ello se sirve de imágenes musicales de gran plasticidad, evocando escenas primitivas de diferentes aspectos de la vida. 

Magistral el solo de Alice Leoncini en los últimos minutos de la representación…los fuertes y perturbadores movimientos impresionan por su violencia rítmica y transportan al espectador al zénit de la obra.

Tanto Ovidiu Chitanu ( dia 9) como Lorenzo Lupi ( dia 10), brillan en sus solos con saltos imposibles y evoluciones cargadas de fuerza y energía.

Mención especial a la escenografía de Ezequiele Leandro, pintor muy ligado a Lecce. Sus obras, de estilo simple y un tanto “prehistórico”  ,aparecen en el fondo del escenario con movimiento propio y en consonancia con la música. Ello produce bellos efectos muy ligados al sentido ancestral del ritual original de la obra.

 Un BRAVO absoluto a este espectáculo lleno de buenas vibraciones y magníficos bailarines. 

miércoles, 6 de octubre de 2021

Paquita en el Teatro de la Ópera de Magdeburgo



El Teatro de la Opera de Magdeburgo (Alemania) ofreció el pasado 2 de Octubre la premiere del ballet Paquita, con coreografía de su director artístico Gonzalo Galguera. Marta Petkova y Mihael Belilov fueron los encargados de interpretar a la pareja principal.


Cristina Ribé

Varios aspectos significativos convertían la representación de Paquita en un espectáculo muy especial: Era la primera representación de danza desde que apareció la pandemia y, para muchos residentes en la ciudad alemana un ballet novedoso, ya que se representa poco en Alemania. Por otra parte, Marta Petkova, primera bailarina búlgara, aceptó el papel protagonista cinco días antes de la premier, después de un sin fin de problemas con sus sucesivas antecesoras.

Mihael Belilov y Marta Petkova (Foto: Andreas Lander)


La coreografía de Gonzalo Galguera, fiel a su estilo visual, brillante y variado, “riza el rizo” convirtiendo el ritmo de la música en un sin fin de pasos rapidísimos e interminables que ponen a prueba el virtuosismo de los bailarines. Combinaciones imposibles destinadas al total lucimiento de los artistas dejan al público atónito con su sincronización y belleza.

Marta Petrova, (Paquita), exitosa primera bailarina del Ballet Nacional Búlgaro, en Sofía, posee unas elegantes líneas de brazos y piernas, y su técnica es precisa y rigurosa, sin duda resultado de sus estudios con Rumiana Atanasova. Sorprendente la conexión entre ella y Mihael Belilov, (Lucien), extraordinario primer bailarín de la compañía de Magdeburg desde hace dos años y compatriota suyo.

 

Mención especial al cuerpo de baile del Ballet de Magdeburg, sus evoluciones resultan brillantes y poseedoras. de una gran técnica clásica.

 

Cristina Salamon, Rodrigo Aryam, Chihito Tamai y Grace Monahan (Foto: A.L)

Paquita


Basado en el libreto de Paul Foucher y Joseph Mazilier

Música de Edouard Delvelez y Ludwig Minkus. 

Se trata de un Ballet Pantomima de dos actos y tres escenas y constituye un soberbio ejemplo del estilo francés exportado a San Petersburgo. Se estrenó en la Ópera de París en 1846, con música de Edouard   Delvelez. Más tarde se presentó en San Peterburgo con una extraordinaria aportación musical de Ludwik Minkus para el segundo acto, que, sin duda, acrecentó el valor de la obra.

 

Recrea la España de la invasión napoleónic y se sitúa en la ciudad de Zaragoza.  Una muchacha de alcurnia (Paquita) es separada de su familia desde muy pequeña al haber sido raptada por unos gitanos. En un encuentro fortuito, surge su romance con un joven y apuesto oficial francés (Lucien) a quien ella salva de la muerte. Después de una serie de enredos, hay final feliz para la pareja y por supuesto, boda.


martes, 27 de julio de 2021

Festival Castell de Peralada 2021

Perspectives del Ballet de Barcelona
Foto: Toti Ferrer

El Festival Castell de Peralada celebró su 35 edición concentrando los espectáculos en unos 20 días y dando a la danza su habitual protagonismo con tres excelentes propuestas.

El Béjart Ballet Lausanne abrió el Festival con dos funciones de su aclamado Ballet for Life o «Le Presbythère... » canto a la vida y homenaje a aquellos artistas inolvidables que murieron jóvenes: Fredy Mercury, Jorge Donn o Wolfrang Amadeus Mozart. No pudimos estar en estas funciones pero el lleno fue absoluto y las entradas se agotaron rápidamente, prueba fehaciente de la devoción por esta compañía, habitualmente programada en Peralada.

El Ballet de Barcelona actuó justo una semana después, debutando en el festival ampurdanés y lo hizo inaugurando un nuevo espacio «El Mirador», una sala acristalada con magníficas vistas al castillo y al lago. Sala polivalente y magníficamente equipada, permitiendo montajes innovadores como el que diseñó la compañía catalana: una pasarela de veinte metros de largo por ocho de ancho con gradas para el público a lo largo de ambos lados. Una exquisita iluminación, obra de Sergio Gracia, Director Técnico y diseñador de iluminación de la compañía, ayudó a realzar la innovadora propuesta artística.

Chase Johnsey, Anibal Caballero y Juanjo Alacid
Ballet de Barcelona. Foto: Toti Ferrer
 Valèria Gaillard así lo contó para El Periódico

«El Ballet de Barcelona conmueve con 'Perspectives'   en Peralada»

El joven Ballet de Barcelona demostró este jueves en el Festival Castell de Peralada, donde debutaba, que ha venido para quedarse y hacerse un hueco en el panorama de la danza actual. La compañía estrenó Perspectives, una historia desgarradora de violencia y salvación que combina danza, relato y música en directo.

El bailarín norteamericano Chase Johnsey, director artístico de la compañía y protagonista de este biópico danzado, hizo un ejercicio de catarsis llevando al escenario el drama de su vida: quedar al margen de las etiquetas de género, hombre-mujer. Desde el nacimiento traumático, pasando por la condena social y la desorientación existencial, la desesperación que siente el bailarín queda plasmada con movimientos desgarradores, a veces excesivamente explícitos, como una paliza a cámara lenta que nos remite a los tristemente actuales ataques por homofobia.

Perspectives recurre en una segunda parte a El lago de los cisnes, tomando este animal masculino —símbolo de pureza y fragilidad— para ilustrar un proceso de transformación personal y sublimación: el arte, en este caso la danza, es capaz de borrar la fealdad del mundo, al tiempo que consigue crear belleza a partir del dolor. Bien arropado por un cuerpo de baile entusiasta e impecable, Johnsey ofrece una interpretación vibrante de emoción: tanto en la primera parte, en la que se expone a carne viva, como en la segunda, en la que encarna un cisne blanco delicado, pero con alma de diamante. Por otro lado, la disposición del nuevo auditorio Mirador, con público a ambos lados del escenario, permitió una cercanía total con los bailarines, intensificando la implicación del público, ciertamente perplejo por una propuesta tan pionera y comprometida»

Chase Johnsey Odette y Heyler Lameda, Sigfried
Perspectives del Ballet de Barcelona.
Foto: Toti Ferrer

Cabe destacar que hacer un segundo acto de El Lago de los Cisnes en una pasarela como la mencionada y con audiencia a ambos lados, supone todo un reto de adaptación coreográfica que Anna Ishii, bailarina y coreógrafa de la compañía, supo resolver magistralmente. Tanto el cuerpo de baile, como la danza de los cuatro pequeños cisnes, como los pasos a dos, o las variaciones de este acto, se modificaron para que ambos lados tuviesen a los bailarines de frente de forma equilibrada.

Mencionar también a los coreógrafos responsables de esta dramática primera parte, junto con el propio Chase Johnsey: Ariadna Montfort, David Rodriguez y Luke Prunty que con música de Giuseppe Verdi, Johan Hasse, Jakub Józef, Pink Floyd, consiguieron que el Ballet de Barcelona atrapara y emocionara profundamente al espectador.

La intervención del cantante Víctor Arbelo, acompañado por el guitarrista Marc Casanovas, con la canción Mi Condición, fue también muy celebrada por el público.

Peralada también optó por una bailarina del Ballet de Barcelona, Estela Coll, para el vídeo promoción del Festival que pueden ver aquí.

Maria Khoreva en Raymonda
Foto: Toti Ferrer
La tercera propuesta en danza fue la Gala «Ballet Under The Stars» una gala en recuerdo de la Sra. Carmen Mateu, dirigida por Iratxe Ansa y Monica Hamill, con claro acento femenino y cuyas protagonistas fueron cinco prestigiosas bailarinas internacionales: La misma Iratxe (Premio Nacional de Danza 2020), Lucía Lacarra (bailarina principal de la compañía de Roland Petit, del Ballet de San Francisco, del Bayerisches Staatsballett, invitada por las mejores compañías del mundo y Premio Nacional de Danza 2005), Dores André, bailarina principal del Ballet de San Francisco, Ada González, solista del Ballet de la Ópera de Bucarest y Maria Khoreva, solista del Ballet Mariinsky. Con ellas, sus partenaires Xander Parish, bailarín principal del Mariinsky, Matthew Golding, conocido en España por haber formado parte durante un tiempo del Ballet de Ángel Corella y bailarín principal del Royal Ballet de Londres y del HET National Ballet, Igor Bacovich, bailarín, coreógrafo y cofundador de Metamorphosis Dance, y Jorge García Pérez, solista del Ballet de Basilea.

Iratxe Ansa y Igor Bacovich estrenaron la coreografía dedicada a Carmen Mateu, Camelia, en honor a la flor preferida de la Sra. Mateu que solía llevar en su solapa, e interpretada por los bailarines Dores André y Jorge García Pérez. Al finalizar la gala, Isabel Suqué Mateu hizo entrega del galardón de la I edición del Carmen Mateu Young Artist European Award Opera & Dance a Maria Khoreva.

Iratxe Ansa, Igor Bacovich y Maria Berasarte
en Seda. Foto: Toti Ferrer
Con este espectáculo, las directoras rindieron homenaje a la que fue fundadora y alma mater del festival ampurdanés, Carmen Mateu. Ella tampoco bailaba sola, a su lado estaba su inesperable compañero, su marido Arturo Suqué, con quien compartió toda una vida y también su pasión y amor a las artes y la cultura.

La gala comenzó con Entangled Echoes de Iratxe Ansa y Igor Bacovich, una pieza de danza moderna ejecutada con gran complicidad por esta pareja, creadores de Metamorphosis Dance.

Maria Khoreva y Xander Parish interpretaron el pas de deux del segundo acto de Giselle. La bailarina rusa, ganadora de la I edición del Carmen Mateu Young Artist European Award, fue una de las grandes protagonistas de la noche, demostrando una gran técnica y dominio de los roles más exigentes de repertorio clásico, al bailar también el solo de Raymonda y cerrando la noche con La bayadère (sombra, Adagio y Coda) al lado también de Xander Parish. Había mucha expectación por verla y no ha defraudado. Muy joven, muy comprometida con su arte, muy activa en las redes, donde cuenta con cientos de miles de seguidores a los que deleita con clases, consejos, trucos para conseguir mejores resultados, es otra de las estrellas a añadir a la impresionante lista de Peralada.

Lucía Lacarra y Matthew Golding 
en After the Rain. Foto: Toti Soler

Una espectacular Lucía Lacarra hizo gala de su elegancia y elasticidad junto a su pareja, el bailarín Matthew Golding, interpretando Finding Light de Edward Liang y música de Vivaldi, que forma parte de su espectáculo Fordlandia, y la hipnótica After the Rain de Chistopher Wheeldon.

Es siempre un deleite para el espíritu ver a Lucía, es la sublimación de la elegancia en danza, una artista no sólo con una trayectoria impresionante, si no con una sabiduría puesta al servicio de las jóvenes generaciones con amor y gran generosidad

Ada González y Xander Parish
Foto: Toti Ferrer
La entrevistamos hace poco para Ballet y más, ya que tenemos la suerte de que nos visite por Cataluña a menudo, y confiamos volver a verla muy pronto.

La joven catalana Ada González fue el cisne de la noche. Ada ya ha interpretado, pese a su juventud, la mayoría de los grandes roles del repertorio y uno entiende muy bien al verla bailar porque sus directores confían en ella. 

En Peralada tuvimos el placer de verla en una delicada y emotiva La muerte del Cisne de Fokine y con Xander Parish en el pas de deux del cisne blanco de El Lago del Cisnes.

Un placer siempre ver a Ada en escena, otra bailarina que por suerte podemos ver a menudo en Galas, como la reciente en Girona en moviment para la lucha contra el cancer que organizan David Rodríguez y Luke Prunty.


La energética pareja formada por Dores André y Jorge García Pérez presentaron Éxta, una nueva coreografía de Garret Smith, así como el estreno absoluto de la noche, Camelia, un sentido homenaje a Carmen Mateu, coreografía de Ansa y Bacovich. Lo cierto es que Dores y Javier, fueron el descubrimiento de la noche. Una calidad de movimiento, complicidad y dominio impresionantes en coreografías aprendidas rápidamente para la gala.

Dores André y Jorge García Pérez en Camelia
Foto: Tori Ferrer

Además de Entangled Echoes, los creadores de Metamorphosis Dance, por su parte interpretaron Seda con la voz en directo de María Berasarte.

Al recibir el premio, Maria Khoreva agradeció poder participar en una gala como la de hoy, con de nuevo público en directo, y agradeció también a la organización que no se abandone la danza, sobre todo, en el tiempo que estamos viviendo. El galardón es una camelia diseñada por el artista Santi Moix que ha hecho posible la joyería creativa Bagués Masriera.

Maria Khoreva recibe emocionada el galardón de
manos de la Sra. Isabel Suqué Mateu. Foto: Toti Ferrer

La edición de este año de Peralada ha finalizado ya por lo que se refiere a la danza y ya estamos soñando con qué nos depará el próximo verano. Seguro que volveremos a vivir noches inolvidables.




jueves, 27 de mayo de 2021

El Lago de John Cranko en el Liceu por el Ballet Nacional Checo

Lago de los Cisnes del Ballet de Praga
Foto: Sergej Gherciu


El Ballet Nacional Checo llega al Gran Teatre del Liceu con El Lago de los Cisnes. Por primera vez en España, se estrena la coreografía de John Cranko, basada en la obra original de Marius Petipa y Lev Ivanov, y con dirección de escena de Birgit Deharde, Andria Hall y Filip Barankiewicz. En palabras de Cranko, la propuesta 'se basa en el estilo classicoromàntico de Marius Petipa' pero con ligeras variaciones, como 'la eliminación de movimientos musicalmente repetitivos y el realce del drama, convirtiendo al príncipe en un verdadero ser, un hombre que experimenta la tragedia'. La Orquesta Sinfónica del Gran Teatre del Liceu, dirigida por Václav Zahradník, da vida a una partitura icono del ballet clásico

Carolina Masjuan

El Ballet Nacional Checo de Praga ocupa una posición sólida en el contexto centroeuropeo de danza. Su fundación en 1883 dio lugar a la continua tradición evolutiva de la danza profesional checa, siendo la compañía más grande de la República Checa con bailarines de dieciocho nacionalidades.

Marek Svobodník, Nikola Márová, Adam Zvonař
Foto: Sergej Gherciu

La producción de John Cranko se caracteriza por su lectura humana del personaje. Como en todos sus ballets, la dramaturgia tiene un peso específico lo que hace más convincente la historia que llega más al público actual. Siegfried es un ser humano real, con un rol con más peso que en el ballet original. Y como Siegfried es humano y se siente culpable por haber traicionado a Odette, no puede haber un final feliz para los dos amantes: él tiene que morir y ella debe seguir siendo un cisne. 

Más que una historia de amor, este famoso cuento de hadas es un fatídico viaje del alma.

Quizás lo más destacable sea el cuarto acto, un acto básicamente blanco, pero incluyendo un fantástico Paso a dos, marca de la casa, para los amantes y con algunas licencias frente a otras versiones más convencionales. La música del cuarto acto es del Hamlet de Tchaikovsky. Se trata de una hermosa pieza musical que encaja muy bien con el ballet. Odette está rota y casi demasiado débil para caminar, Siegfried intenta levantarla, sosteniéndola debajo de sus brazos/alas, tratando de ponerla de pie, pero ella se desliza entre sus brazos, cayendo al suelo una y otra vez. El final muestra a Siegfried ahogándose en el lago desbordado, con un efecto realmente impresionante por los metros y metros de tejido azul "fluyendo" en el escenario.

Hablamos con Roger Cuadrado bailarín solista en la compañía checa para que nos explique un poco sobre esta producción :

¿Cómo ves tú la versión de Cranko repecto a otras que hayas bailado?
- Pues la versión de John Cranko es la primera que he bailado. He tenido la oportunidad de ver como espectador otras versiones, y diría que lo que me sorprendió más al principio fue la diferencia que había con otras versiones más tradicionlas en cuanto a la música, sobre todo en las variaciones de los papeles principales en el tercer acto.

¿Qué destacarías de ella, que te gusta más y que menos?
- Destacaría la manera que tenía Cranko hacer los personajes humanos y también como era capaz de hacer entender la historia detrás de estos y transmitir sus emociones. Aunque a veces para mi gusto la pantomima del primer y tercer acto se puede hacer un poco larga y también las variaciones del pas de six o de las naciones invitadas del tercer acto. Los actos segundo y cuarto con los cisnes creo que son preciosos, sobre todo el cuarto acto en el que como he dicho antes, utilizó músicas originales de Tchaikovsky que no se utilizaron en su momento y son preciosas y constituyen una agradable sorpresa.

¿En Praga se baila mucho Cranko? ¿hay muchos ballets de su repertorio?
- Pues El Lago de los Cisnes es el segundo ballet del John Cranko que hemos bailado durante estos cuatro años que he estado en Praga tras Onegin, que ya había bailado antes en Stuttgart. La próxima temporada en teoría también se hará Romeo y Julieta.

Roger C. Cuadrado
¿Cuál es el repertorio habitual de la compañía?
- Normalmente tenemos tres premiers cada temporada: un ballet clásico, un programa de creaciones con coreógrafos invitados, y un programa con repertorio contemporáneo o neo-clásico. De clásicos hemos hecho mucho repertorio que también se hace en Stuttgart ya que nuestro director fue primer bailarín e hizo toda su carrera en Stuttgart, por ejemplo: La fille Mal Gardée de Ashton, Onegin y el Lago de los Cisnes de Cranko, la Bella Durmiente de Marcia Haydée. También otros clásicos que estaban ya como repertorio antes como el Cascanueces de Yuri Vamos, Snow Queen de Michael Corder o la Bayadère de Javier Torres.

De contemporáneo o neo-clásico he tenido la oportunidad de tener repertorio más variado o nuevo para mí como Bella Figura, Petit Mort y Gods and Dogs del maestro Jirí Kylián con quien hemos tenido el honor de trabajar personalmente. Cacti de Alexander Ekman, Minus 16 de Ohad Naharin, Kafka de Mauro Bigonzetti, y creaciones con coreógrafos invitados.

De hecho tú en Stuttgart ya debías haber bailado mucho de él, ¿es difícil hacerse con su estilo?
- Es difícil si no hay alguien que te explique cómo enfocar cada personaje, ya que como he dicho antes para Cranko incluso el cuerpo de baile tenía vida y personalidad. En Stuttgart tuve la suerte de trabajar con la coreóloga y asistente de Cranko, Georgette Tsinguirides, quien tenía todo el conocimiento y experiencia de cuando se crearon estos ballets y es quien transmite principalmente este espíritu.

¿Hacéis muchas giras? ¿Es esta la primera después del confinamiento?
- Normalmente hacemos una o dos giras al año. En estos cuatro años hemos estado en Sevilla, Finlandia, China, Corea del Sur y ahora Barcelona. Sí, teníamos una gira en enero en Tel Aviv pero no pudimos ir. Por suerte la situación ha mejorado y podemos venir al Liceo donde no he bailado.

¿Hace mucho que habéis vuelto a retomar la actividad? ¿Estáis bailando ya normalmente en vuestro teatro?
- Pues justo abrirán los teatros con un 50 por ciento de capacidad cuando volvemos de la gira de Barcelona, ​​pero hasta ahora han estado cerrados desde Octubre. Hemos seguido trabajando y ensayando como hemos podido, grabando online alguna programación nueva, pero sin público.

Roger dejará la compañía al acabar esta temporada dando un cambio radical a una buena carrera como bailarín clásico. Le deseamos toda la suerte del mundo en esta nueva etapa. Si quieren saber más acerca de él, enlazamos una reciente entrevista con David Rodriguez, que pueden escuchar aquí

Adam Zvonař, Nikola Márová y el cuerpo de baile
Foto Sergej Gherciu

Una vez acabadas las funciones del Liceu la compañía retoma las funciones en su sede con El Lago, como pueden comprobar en este enlace

Se agradece que por fin se vea un Cranko en Barcelona, esperamos que sea sólo el comienzo y que pronto podamos disfrutar de sus obras maestras, como Onegin, Romeo y Julieta, La Fierecilla Domada, así como las de otros grandes creadores como Mc Millan o John Neumeier, tan raros de ver por España.


lunes, 7 de diciembre de 2020

El Teatro de la Zarzuela recibe a la Giselle de Joaquín de Luz

Alessandro Riga y Giada Rossi (Foto: Alba Muriel)

Entre el 9 y el 22 de diciembre los afortunados que han conseguido una entrada en el Teatro de la Zarzuela de Madrid, tendrán la oportunidad de descubrir a una Giselle única.  Con la firma de Joaquín de Luz, director artístico de la Compañía Nacional de Danza, la romántica campesina alemana se convierte en una aldeana española que vive a los pies de la Sierra del Moncayo y se enamora de un apuesto y seductor viajero europeo. 

Lola Ramírez

Casi dos siglos después de que Théophile Gautier inspirándose en leyendas alemanas de Heinrich Heine creara a la romántica Giselle, el bailarín y coreógrafo Joaquín de Luz se deja inspirar por la poesía de Gustavo Adolfo Bécquer para construir un personaje más cercano, tanto que sitúa su origen en una aldea de la Sierra del Moncayo. De esta manera, De Luz ha diseñado una Giselle vista a través del romanticismo español."Bailaremos la historia de esa muchacha enamorada del apuesto viajero extranjero al que amará más allá de la muerte", afirma el director de la CND. 

El propio Joaquín de Luz se meterá en la piel del seductor Albrecht el último día de la representación. En el estreno serán los bailarines de la compañía Giada Rossi y Alessandro Riga los encargados de dar vida a la romántica pareja. Giselle se estrena este miércoles, 9 de diciembre, rodeada de todas las medidas de seguridad contra la pandemia del Covid. Todas las entradas están ya vendidas y a buen seguro por culpa del innombrable bicho seremos muchos los que nos quedaremos con las ganas de descubrir a esta Giselle made in Spain

Cierto que Joaquín de Luz ha sido respetuoso con el libreto de Gautier y su versión mantiene toda la esencia de la obra, con sus entrañables campesinos, sus misteriosas wilis y la elegante y estirada Mirtha, interpretada esta última por Kayoko Everhart ( 9 y 12), Haruhi Onanie (10 y 13), Clara Maroto (15,17, 18, 20 y 22), y Natalia Muñoz (16 y 19).

Elenco del estreno de Giselle (Foto: A. M.)

Habrá cinco elencos diferentes entre el 9 y el 22 de diciembre; dos bailarines invitados: Elisa Badenes (principal del Stuttgart Ballet) y Gonzalo García (principal del New York City Ballet, que actuarán el 10 y el 12 de Diciembre. En la piel de Giselle estarán también, Cristina Casa (11 y 17), Giada Rossi (9 y 13), Kyoto Everhart (15 y 19), Haruhi Onanie (16 y 20) y Ana Calderón (18 y 22).  El rol de Albrecht lo interpretarán: Alessandro Riga (9, 13 y 20), Gonzalo García (10, 12 y 16),  Yanier Gómez (11y 17) Angel García Molinero (15 y 19), Anthony Pina (18) y Joaquín de Luz, ( 22).

Sin abandonar los elementos que han hecho de Giselle una de las obras cumbres del ballet clásico,  tanto Joaquín de Luz como el dramaturgo Borja Ortiz de Gondra han querido que en esta adaptación coreográfica estén presentes la escuela bolera y las tradiciones españolas. "Y cuando el segundo acto tenga lugar y aparezca el bosque nocturno donde habitan las wilis, esos espíritus de muchachas muertas antes de casarse, las voces del viento susurrarán versos de Bécquer", afirman De Luz y Borja Ortiz.

Compañía Nacional de Danza en el Primer acto de Giselle (Foto: A. M.)

Ballet en dos actos

Coreografía y dirección escénica: Joaquín de Luz (a partir de la original de Jules Perrot y Jean Coralli)
Música: Adolphe-Charles Adam (versión musical: Joaquín De Luz y Óliver Díaz)
Dirección musical: Óliver Díaz
Libreto: Borja Ortiz de Gondra y Joaquín de Luz (a partir del original de Jules Henry Vernoy y Theóphile Gautier)
Dramaturgia: Borja Ortiz de Gondra
Escenografía: Ana Garay
Figurines: Rosa García Andujar
Diseño de iluminación y creación de vídeo: Pedro Chamizo
Espacio sonoro: Víctor Tomé
Voces en off: Pedro Alonso y Ángela Cremonte
Asistentes al coreógrafo: Pino Alosa, Joan Boada, Yoko Taira
Bailarines invitados: Elisa Badenes y Gonzalo García
Ayudante de escenografía: Isi López-Puget
Ayudante de vestuario: Lucía Celis
Construcción de escenografía: Proescen
Confección de vestuario: D'Inzillo Sweet Mode
Peluquería: Mª Jesús Reina
Taller de utillería: Carlos del Tronco y Palomia Bravo
Producción de la grabación fonográfica: Fernando Arias (Aria Classica)

Orquesta: Orquesta Titular del Teatro de la Zarzuela. ORCAM
Director de Orquesta: César Álvarez
Duración: 2 horas.

SIPNOSIS

Primer acto

En una aldea cercana al Moncayo vive Giselle, una bellísima campesina. Un día de otoño, cuando baila a solas, es descubierta por un grupo de viajeros; uno de ellos, Albrecht, decide internarse en la aldea y cortejarla haciéndose pasar por un lugareño. Rendida por los encantos del nuevo pretendiente, Giselle ignora a Hilarión, su enamorado, quien sospecha del engaño del forastero.

Giselle y Albrecht bailan juntos, cada vez más atraídos, y a ellos se une toda la aldea Pronto la madre de Giselle la reprende, asustadísima: la salud de su hija es frágil y puede terminar convirtiéndose en una wiki, uno de esos espíritus de vírgenes que rondan por el bosque después de la media noche. 

Llega a la aldea el resto de los viajeros y, mientras los lugareños los agasajan, Giselle entabla amistad con Bathilde, la prometida de Albrecht, sin saber ninguna de las dos que aman al mismo hombre. Comienza la fiesta de la vendimia y las jóvenes eligen reina de la fiesta a Giselle. Hilarión, furioso por el coqueteo de Giselle y Albrecht, descubre la verdadera identidad de este, y lo desenmascara.

Bathilde pide cuentas a Albrecht, quien niega el amor que ha surgido en su pecho. Ante la traición de Albrecht, Giselle enloquece hasta caer muerta mientras los campesinos expulsan a Albrecht de la aldea.

Kayoko Everhart en el rol de Mirtha (Foto: A. M.)

Segundo acto

En el bosque, ante la tumba de Giselle, un cortejo da el último adiós a la joven. Cae la noche y entra Hilarión, que deposita un ramo de flores. Allí es sorprendido por Myrtha, la reina de las wilis, que ordena a estas su cruel venganza: le harán bailar hasta que caiga muerto de extenuación.

Poco después aparece Albrecht, profundamente desolado por no haber comprendido a quién amaba realmente. Conmovida, Giselle se hace visible y trata de salvar a Albrecht: baila sin descanso infundiéndole su aliento y haciéndole resistir vivo hasta que amanezca.

Con la llegada del alba, las wilis vuelven a las sombras, y Giselle se retira sabiendo que su amor ha creado un lazo eterno con Albrecht. Año tras año, hasta convertirse en un anciano, Albrecht seguirá acudiendo a la tumba de Giselle y escuchando hermosas palabras de la muchacha que lo amó más allá de la muerte.

"Si al resonar confuso a tus espaldas vago rumor, 
crees que por tu nombre te ha llamado lejana voz,
sabe que entre las sombras que te cercan te llamo yo.
Si se turba medroso en la alta noche tu corazón,
al sentir en tus labios un aliento abrasador,
sabe que, aunque invisible, al lado tuyo respiro yo."

Gisselle en gira

9-22 de diciembre. Madrid. Teatro de la Zarzuela

13-16 de enero. Sevilla. Teatro de la Maestranza

11 de marzo. Oviedo. Teatro Campoamor

17 y 18 de abril. Bilbao. Teatro Arriaga

18 de junio. Granada. Jardines del Generalife

23-27 de junio. Valencia. Palau de les Arts

sábado, 25 de julio de 2020

SEAMS - Kirill Radev + David Yudes en Badalona

MW Fotografía

El fin de semana del 18 y 19 de julio estaba anunciada la edición de 2020 de las «Nits al Port» de Badalona, con la celebración del espectáculo de danza SEAMS, organizado por Marisa Yudes, directora de la escuela de danza del mismo nombre de la ciudad catalana. No pudo ser. Las restricciones a causa de la COVID-19 obligaron a suspender el espectáculo aunque se está trabajando para poder pasarlo por streaming.
Carolina Masjuan
Se trata de un espectáculo cuyos beneficios se destinan precisamente a la investigación sobre el virus que los doctores Oriol Mitjà y Bonaventura Clotet, realizan en el Hospital Germans Trias i Pujol (Can Ruti) de Badalona. En el mismo la danza viene representada por una coreografía creada específicamente por el bailarín, coreógrafo y profesor de la escuela, Kirill Radev y cuyo protagonista es David (Navarro) Yudes, bailarín solista del Royal Ballet de Londres.

La escuela de danza Marisa Yudes fue fundada en el año 1977 y se ha posicionado como una de las escuelas de referencia en Cataluña. Hoy en día pueden presumir de haber tenido entre sus filas a miles de alumnos que, sobre todo, han sido felices aprendiendo y bailando y por haber contribuido a que muchos de ellos hayan podido realizar el sueño de llegar a ser bailarines profesionales. La Escuela sigue el sistema de la RAD, Royal Academy of Dance, y trata a cada alumno de forma diferencial de acuerdo a sus características y personalidad, siempre con cariño, respeto y un trato familiar.

Comenta Marisa «Nos gusta que nuestros alumnos combinen su formación con la experiencia en el escenario y por eso desde pequeños participan en concursos, puertas abiertas y festivales. No solamente enseñamos danza sino también a tener una actitud frente la vida, entendemos el error como una oportunidad para mejorar y no como aspecto negativo del que avergonzarse. Nos importa la felicidad de nuestros alumnos, por eso les asesoramos a ellos y a sus familias y les acompañamos en el proceso de aprendizaje. Damos mucha importancia a la forma en que nuestros alumnos viven y entienden la danza. Nuestra misión es inculcar el amor por la danza a los jóvenes de hoy y formar a los bailarines de mañana».

Uno de los bailarines más destacados, entre los muchos que salidos de la escuela integran las filas de compañías de todo el mundo es David (Navarro) Yudes. El hijo de Marisa, empezó a bailar a los cuatro años en la escuela de danza de su madre, para continuar su formación en la Académie Princesse Grace en MónacoFue finalista en el Prix de Lausanne 2014, donde recibió el premio del público además de una beca para el Royal Ballet que le permitió integrar ya directamente la prestigiosa compañía, primero como aprendiz y seguidamente como titular en el cuerpo de baile. Con 22 años fue nombrado solista en la prestigiosa compañía británica. Sus cualidades, su tesón, su constancia y su calidad interpretativa no han pasado desapercibidas y seguro que le llevarán a conseguir más ascensos en el exigente y exclusivo Royal Ballet.

En cuanto a Kirill Radev, nació en 1981 en Rusia. En 1991 comenzó sus estudios en la Ballet Academy de Agripina Vaganova. Se incorporó al Imperial Russian Ballet en 1999, llegando a ser primer bailarín en 2003 e interpretando todos los ballets del repertorio clásico. Le vimos por primera vez, en el teatro Tívoli de Barcelona, donde la compañía rusa -a nuestro juicio la mejor de cuantas compañías rusas suelen pisar escenarios españoles- solía bailar. Nos quedamos con su nombre ya que destacaba entre todo el elenco. La sorpresa vino cuando le descubrimos en las filas del Corella Ballet (Barcelona Ballet) como solista, con Ángel Corella como director, donde interpretó todas las coreografías que se presentaron con la compañía a partir de ese año. Kirill fue uno de los muchos integrantes de la compañía que encontró el amor entre sus filas. Con la también bailarina Marta Ludevid formaron una familia y Kirill decidió establecerse en Cataluña.

Radev comenzó su carrera como coreógrafo en el 2008. Terminó la carrera en la Moscow State Academy of Choreography, consiguiendo el certificado como coreógrafo en 2010, habiendo creado coreografías para el propio Corella Ballet, como «Facing the Light» (2012) con música de Vivaldi, que constituyó un gran éxito, así  como para muchas compañías rusas, entre ellas el ballet de la escuela del Teatro Bolshoi de MoscúComo coreógrafo, Radev utiliza una variada selección de música de un amplio espectro histórico. En su coreografía, de manera natural y creativa, desarrolla las tradiciones de la danza sinfónica.

MW. Fotografía


Quisimos hablar un poco con David y Kirill y he aquí lo que nos contaron.

David Yudes

- ¿Cómo y dónde has vivido el confinamiento ?
- ¡Pues el confinamiento me pilló en Londres! (aunque ahí nunca hubo confinamiento como tal). Acabábamos de estrenar la producción del Lago de los Cisnes de la cual teníamos unos 24 espectáculos por hacer. Solo llegamos a hacer tres y de un día para otro tuvimos todos que pasar de estar ensayando y bailando cada día a estar en casa básicamente encerrados y haciendo alguna que otra clase online por Zoom con la compañía. Luego, cuando pude, después de estar allí aproximadamente 1 mes y medio, cogí un vuelo a Barcelona para poder estar aquí con mi familia y también poder trabajar mejor y estar en forma. Tuve la suerte de tener la escuela de danza de mi madre, Marisa Yudes, en la que pude estar trabajando privadamente mucho mejor que en casa.

- Creo que estás aprovechando estos días para dar clases por escuelas de Cataluña ¿es así?
¡Si! De hecho es el primer año de mi vida que me animo y en el que me estoy abriendo más sobretodo con mi ciudad natal y mi país. He estado dando clases en diferentes lugares y la verdad que estoy aprendiendo mucho de esta experiencia.

- ¿Te gusta enseñar ?
Poco a poco me va gustando más. Yo creo que con el tiempo iré cogiendo mas experiencia y estaré más cómodo dando clases. El hecho de que alguien sea un buen bailarín no implica que sea un buen profesor. Hay mucha preparación detrás de cada clase que vayas a dar y nunca hay que olvidarse de que la gente viene a tomar clases contigo porque confía en que va a poder aprender muchas cosas. Hay que darlo todo, ser honesto, e intentar transmitir muchas cosas de las que hayas aprendido durante todos estos años.

- ¿Cómo ves el nivel de los alumnos de ballet?
Pues sorprendentemente en España el nivel es cada vez mejor. Digo sorprendentemente porque aquí no hay tanta tradición o no hay tantas oportunidades como en otros sitios, pero hay muchisima gente joven con talento que tiene muchas ganas de trabajar y llegar a ser profesional. Por otro lado, me encantaría que la comunidad de danza en España estuviese más unida y que trabajasen todos hacia una misma dirección (que es darle más visibilidad, importancia y valor a la danza en España).

- Como bailarín has bailado alguna vez en Galas pero desgraciadamente es difícil que el Royal Ballet nos visite (hace ya muchos años que nos trajo La Bella Durmiente al Liceu) ¿qué significa para ti bailar aquí ? ¿tienes alguna perspectiva de hacerlo próximamente ?
Ahora mismo como bailarín del Royal Ballet pues yo tengo que ir a bailar a los sitios que me digan, no puedo hacer mucho más, aunque vinimos a Madrid de Gira en el 2018 con el Lago y ¡fue genial estar aquí con la compañia! Para mi bailar en mi país significa mucho y estoy empezando a pensar en diferentes opciones para darle más visibilidad a la danza en España. No creo que sea imposible, voy a darlo todo e intentar ayudar en lo que pueda a nuestra comunidad para intentar mejorar las cosas.

- ¿Cómo afronta el Royal Ballet la vuelta a los escenarios ?
No sabemos nada todavía de esto, solo sabemos que estamos todos con unas ganas increíbles de volver a pisar el suelo del Royal Opera House con la producción que sea y esperemos que sea más pronto que tarde. Toda esta situación ha afectado a todos los teatros del mundo y ahora es cuestión de poco a poco, volver a la normalidad e intentar recomponerse.

- ¿Qué roles tenías previsto afrontar próximamente en la compañía ?
Como anteriormente he mencionado, no sabemos nada de próximas producciones ni roles en los que vayamos a participar, está todo aún en el aire y estamos todos esperando más notícias que aclaren la próxima temporada. ¡Sí que puedo decirte los últimos roles que bailé antes del confinamiento en el Lago de los Cisnes que fueron la danza Napolitana y el Lead Czardas!

- Respecto a este espectáculo, supongo que ha sido muy duro tener que cancelarlo....
Ha sido muy duro pero no solo para m. Habíamos creado un grupo fantástico de gente, de hecho ha nacido una nueva compañia de ahí, que es Korpo Dance Project, con la intención de ir creciendo poco a poco e ir bailando varias producciones del director artístico y coreógrafo Kiril Radev. Estamos todos muy tristes de que al final las cosas hayan sido así porque además fue cosa del último día, pero como siempre digo, hay cosas que se escapan de nuestras manos y no podemos hacer drama de ello sino continuar trabajando en diferentes cosas, proyectos y seguir con la vida. Espero que no falte mucho para que todo vuelva a la normalidad y de que haya otra oportunidad para poder bailar en mi ciudad o en mi país.

- ¿Cómo fue que te involucraste? Ya lo teníais previsto o fue a causa de poder estar más tiempo en casa que pudiste participar en él?
Pues al llegar de Londres y al empezar a haber una mejoria aquí en España con esta situación, tuve el placer de poder hacer clases diarias de danza con Kiril Radev y trabajar duro para no perder la forma. Él ya estaba trabajando en una coreografía así que me preguntó si me gustaría formar parte de un grupo este verano con el que la intención sería bailar aquí y hacer una coreografia que fuera acorde con toda esta situación, así que al mirar fechas y ver que cuadraban perfectamente, no dudé un segundo en decir que sí porque tenia muchísimas ganar de pisar un escenario y además ¡era en mi ciudad! Demasiado bonito para ser verdad ya que nos lo acabaron cancelando por rebrotes del virus.

- ¿Qué planes tienes hasta tu vuelta a Londres ?
Siento que he estado 3 meses aquí sin parar, he hecho muchísimas cosas y ha sido un tiempo de aprendizaje brutal, de conocerme más y de acercarme todavía más a la persona que quiero ser, así que por todo eso, ahora tengo pensado descansar y/o desconectar 2 ó 3 semanas que son las que me quedan, empezar a mentalizarme para la vuelta al Royal Ballet y obviamente intentar no perder la forma física para llegar en buenas condiciones, porque creo que cuando llegue va a ir todo muy rápido y esperemos que en nada podamos volver estar bailando en el Royal Opera House...

MW Fotografía


Kirill Radev

- Ya llevas muchos años aquí aunque creo que viajas mucho a Rusia por trabajo. ¿Puedes compaginar bien tus dos facetas como profesor y coreógrafo?
Sí, sí que me es posible. La escuela me da la flexibilidad para poder realizar todos aquellos proyectos que se presenten en mi faceta de coreógrafo. De este modo, puedo tener la base aquí en Barcelona como profesor e ir cumpliendo con los trabajos en el extranjero como coreógrafo.

- ¿Qué piezas has coreografiado últimamente y para qué compañías ?
El pasado otoño, estrené un espectáculo propio en Rusia. El proyecto fue realizado a través de mi agencia de produción Creation Agency sobre la figura de Vaslav Nijinskiy, llamado ¨A Ballad for a Madmen¨. Además de la creación especifíca de la composición musical y tocada en directo, pude contar con grandes bailarines de diversas compañías de Moscú. Por otro lado, estuve preparando una pieza para el acto de graduación de los últimos cursos de la Moscow State Academy of Choreography (Bolshoi Academy). Desafortunadamente, con la situación actual de la pandemia, no se pudo estrenar y se pospuso su premier para el 2021.

- Y tu carrera como bailarín ¿sigues haciendo algún espectáculo?
Hace años que entiendo y vivo mi carrera con la idea principal de crear coreografías. En estos momentos es mi principal vocación.

- ¿Cómo surgió la oportunidad de realizar esta coreografía ? ¿Puedes contarnos un poco sobre ella ? Idea, vestuario, música, …..
Trabajando codo con codo con Marisa Yudes siempre existen oportunidades y ventanas abiertas para que la danza y la cultura crezca. Ella lleva años dirigiendo las ¨Nits del Port de Badalona¨ y este año vimos la oportunidad perfecta para poder rematar un proyecto que hacía tiempo que se nos venía a la cabeza al equipo de profesionales. Si añadimos que por motivos de confinamiento y fronteras cerradas muchos de nuestros bailarines (como David Yudes de Royal Ballet de Londres) y futuros bailarines estaban en casa sin hacer mucho, decidimos aportar por ello y para ellos. El conjunto se recoje bajo del nombre de KoRPo Dance Project con los objetivos principales de promover danza contemporánea de calidad al mismo tiempo que se les ofrece ese trampolín profesional a los jóvenes talentos. Para la coreografía ¨Seams¨ pudimos contar con bailarines del País Vasco, de Rusia, un estadounidense residiendo aquí, así como todos nuestros buenos talentos de casa. Con todo ello, la pieza tiene el propósito de coser diversos recuerdos de diferentes mentes creando una de mayor intensidad y repercusión. Hacer aflorar todas las sensaciones reprimidas en nuestras mentes y en nuestras vorágines diarias. Todo ello recogido en un espectáculo íntimo pero con fuerza. La mayor parte de las piezas de la composición musical de la obra han sido creadas para la ocasión. He podido trabajar de forma estrecha con el compositor Andrey Chaporov, obteniendo así un resultado más concreto e idóneo para la obra.

- ¿Podrá el público verla de algún modo?
Estamos en ello. Con la situación actual en la que vivimos es complicado predecir sobre seguro, pero nuestro objetivo es poder representarla en festivales y teatros. Un trabajo de calidad y con semejante esfuerzo realizado hay que mostrarlo.

- ¿Cual era el rol que habías previsto para David?
Con David trabajamos cómodamente los dos, así que le propusimos, juntamente con Marisa Yudes, la posibilidad de crearle un solo dentro de la pieza coreográfica. De hecho, esta variación fue la primera piedra y base de la creación inspirando poco a poco el resto. Bien sabido es el potencial profesional que caracteriza a David, y eso es intachable, pero creo poder decir que he podido presenciar otra faceta de su artista. Y solo os diré que apunta alto y de lo más interesante.

- ¿Qué planes tienes como coreógrafo para un futuro inmediato ?
- Superar estos tiempos de la mejor forma y crecer con ello. Ante la imposibilidad de traslados por el mundo, quiero focalizar todos mis esfuerzos y talentos, siempre acompañado del equipo de profesionales que trabajan conmigo, para poder afianzar el proyecto de KoRPo Dance Project como una compañía de jóvenes bailarines estable y de calidad.